Frank Zappa

Frank Zappa
Frank Vincent Zappa (21 décembre 1940 - 4 décembre 1993) était un musicien de rock, compositeur, réalisateur et satiriste américain. Pendant sa carrière musicale de 33 ans, Zappa a prouvé qu'il était l'un des musiciens-compositeurs les plus prolifiques de son ère, en réalisant plus de 60 albums, la plupart d'entre eux constitués de compositions originales. Il était aussi un guitariste (électrique) renommé et un ingénieur-producteur doué, qui a réalisé lui-même presque tous les enregistrements qu'il a fait après ses débuts en 1966.

Son travail a exploré tous les styles musicaux contemporains (notamment l'avant-garde, le Rock, le doo-wop, le jazz, le jazz fusion, le reggae, le ska, la musique électronique, la musique contemporaine, le blues, le funk, la musique concrète, le hard rock, le big band, le rock progressif, la pop, le proto-rap et la world music), et était souvent reconnu pour son mélange d'art, d'opéra rock, d'absurde, d'humour scatologique, et pour son hilarante satire sociale. Il était aussi connu comme un révélateur de talent, et ses différents groupes ont compté parmi leurs membres d'illustres musiciens comme Adrian Belew, Lowell George, Jean-Luc Ponty, Ruth Underwood, George Duke, Vinnie Colaiuta, Mike Keneally, Terry Bozzio, Tommy Mars, Napoleon Murphy Brock et Steve Vai.


Né à Baltimore dans le Maryland, issu d'une famille d'origine gréco-italienne, Zappa grandit en Californie, dans un mélange d'influences mêlant compositeurs d'avant garde, comme Edgar Varèse et Igor Stravinsky, et groupes locaux de rhythm and blues.

Après une courte carrière d'auteur de chansons professionnel (ses élégiaques Memories of El Monte sont enregistrées par les Penguins) Zappa rejoint un groupe local de R&B comme guitariste. Peu de temps après, il rebaptise le groupe The Mothers, Les Mères (puis à l'instigation de sa compagnie de disques : The Mothers Of Invention).

Les Mothers sont alors signées par le producteur bien connu Tom Wilson, et sortent bientôt le double album Freak Out! (1966), un mélange de R&B et de collages sonores expérimentaux. Les proches et éclectiques Absolutely Free et Lumpy Gravy sortent l'année suivante. Zappa enregistre également We're Only In It For The Money, une satire grinçante du flower power mais aussi du mode de vie traditionnel américain ; la couverture parodie celle de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band des Beatles (avec l'autorisation de ces derniers), remplaçant les fleurs par des légumes.

Après plusieurs albums avec les Mères comprenant Cruising With Ruben & The Jets, au parfum de musique doo-wop, ou encore l'album-concept Uncle Meat, Zappa sort Hot Rats un album solo instrumental à l'écriture ciselée où apparaît son jeu de guitare influencé par le free jazz aussi bien qu'un album de sessions en public enregistrées au Fillmore East avec la participation de John Lennon (laquelle collaboration ne paraît pas sur le disque). Il continue à produire en quantité durant le début des années 1970, y compris les excellents et facilement accessibles One Size Fits All et Apostrophes, avec une nouvelle version des Mères. Pendant un concert en 1971 avec ces dernières à Montreux en Suisse, un incendie se déclare dans la salle et le public est évacué. La fumée et le brasier inspirent le groupe Deep Purple pour son titre le plus connu Smoke On The Water, ce qui fait de Zappa un acteur involontaire de la création de cette chanson.

À partir du début des années 1980, Zappa explore les liens entre la musique qu'il a toujours jouée et la musique savante, enregistrant notamment deux disques avec le London Symphony Orchestra. Le 9 janvier 1984, Pierre Boulez et l'Ensemble intercontemporain jouent trois pièces de Zappa.

Après une interruption, Zappa revient, et beaucoup de son travail ultérieur est influencé par son utilisation du synclavier comme outil pour composer ou de scène et par sa maîtrise des techniques de studio pour produire des effets instrumentaux spécifiques. Son travail devient également plus explicitement politique se moquant du phénomènes des télévangélistes et du Parti républicain américain.

Au début des années 1990, Zappa consacre presque toute son énergie à des travaux orchestraux et de synclavier. En 1992, on lui diagnostique un cancer de la prostate, une maladie qui cause sa mort le 4 décembre 1993, à l'âge de 52 ans. Sa dernière tournée avec un groupe de rock a lieu en 1988, un ensemble de 12 musiciens supposé avoir à son répertoire plus de 800 compositions (la plupart de Zappa), mais qui se sépare dans la mésentente avant la fin de la tournée. Celle-ci est cependant immortalisée dans les albums The Best Band You Never Heard in Your Life (des morceaux aux textes « politiques », et des reprises de musiques de films principalement), Make a Jazz Noise Here (principalement de la musique instrumentale et expérimentale) et Broadway The Hard Way (de nouvelles chansons), et sur quelques plages de You Can't Do That on Stage Anymore, Vol. 6.

Quelque temps avant sa mort, il s'occupa de la politique culturelle tchèque à la demande de Václav Havel, les deux hommes s'estimant mutuellement.

Zappa entre dans Rock and Roll Hall of Fame en 1995. La même année, la seule statue connue de Zappa est installée au centre de Vilnius, la capitale de la Lituanie. Konstantinas Bogdanas, le sculpteur lituanien le plus renommé, auparavant spécialisé dans les portraits de Lénine a immortalisé Zappa. Un buste de Zappa est également visible à Bad Doberan dans le Nord-Est de l'Allemagne où se déroule chaque année les Zappanales.

Ses deux fils Ahmet et Dweezil Zappa sont également musiciens ; ensemble ils ont formé le groupe Z. En mai et juin 2006, son fils Dweezil a organisé et dirigé la tournée Zappa Plays Zappa présentant exclusivement des morceaux composés par son père.

(texte tiré de l anciclopedie wikipedia )

Zappa est un des plus grand musicien du 20 eme siecle il na pas a esité a ce separé de tout les styles existant tout en metrisant chacun d eu avec une facilité deconcertante meme la musique classque ne lui pas resisté il sortira plusieru disque de classique sous le non franchesco zappatti oderistion de ces propres origines .
son sans de l 'humour piquant derrangea beaucoups de monde les politiciens de plusieurs pays . de plus il avait le dont d'imité et de caricaturé partiquement n'importe quel musiciens grace par exemple sa techeniques de guitare frank zappa etait conciderer comme un des plus grand guitariste électriques de l histoire .


Site de Frank Zappa

# Posté le dimanche 25 juin 2006 08:19

Jethro Tull

Jethro Tull
Jethro Tull est un des plus vieu groupe progressif et un des rares survivant des année 60 avec son leader Ian Anderson dont la flûte et la voix formibable apporte des melodies celtiques donne au groupe une envergure impressionant


Les premières années
Jethro Tull tourne dans des clubs au milieu et à la fin des années 60 avec une formation changeante qui finalement se cristallise autour de Ian Anderson (chant, flûte, guitare acoustique, et plus tard beaucoup d'autres instruments), Mick Abrahams (guitare électrique), Glenn Cornick (basse) et Clive Bunker (batterie). L'histoire raconte que le groupe changea de nombreuses fois de nom pour obtenir des concerts à répétition, et que Jethro Tull était le nom qu'ils avaient quand ils eurent leur contrat avec une maison de disque (le nom vient de l'inventeur du semoir). Après quelques singles mineurs (incluant leur premier où le nom du groupe était mal orthographié « Jethro Toe »), ils sortent l'album blues This Was en 1968. La musique était en partie écrite par Anderson et en partie par Abrahams.

Suite à cet album, Abrahams quitte le groupe (pour former Blodwyn Pig). Après une série d'auditions (incluant probablement le futur guitariste de Black Sabbath Tony Iommi), Martin Barre est engagé comme nouveau guitariste. Barre devient le membre le plus fidèle au groupe après Anderson.

Rock progressif
La nouvelle formation sort Stand Up en 1969. Entièrement écrit par Anderson, cet album abandonne largement le blues en faveur du nouveau style de rock progressif développé à ce moment par des groupes comme Yes, bien que Stand Up ressemble un peu à un des premiers album de Led Zeppelin teinté de jazz, avec un son lourd et légèrement sombre. En 1970, ils sont rejoints par un claviériste John Evan et sortirent l'album Benefit.

Le bassiste Cornick quittae le groupe après Benefit, remplacé par Jeffrey Hammond-Hammond, et cette formation sort l'½uvre la plus connue de Jethro Tull, Aqualung en 1971. Mélange de rock heavy relatant la relation entre Dieu et un homme et de pièces acoustiques plus légères à propos de la vie de tous les jours, l'album est aimé par beaucoup et décrié par beaucoup d'autres. Malgré ceci, la chanson-titre et « Locomotive Breath » deviennent des tubes des radios de rock classique.

Le batteur Bunker part ensuite, remplacé par Barriemore Barlow, et l'album de 1972 du groupe est Thick as a Brick. C'est un album-concept constitué d'une seule chanson très longue couvrant les deux faces du vinyle, avec un certain nombre de mouvements et des thèmes récurrents. Le quintette de cet album --- Anderson, Barre, Evan, Hammond-Hammond et Barlow --- deviendra une des formations les plus durables de Jethro Tull, jusqu'en 1975.

1972 voit aussi la sortie de Living in the Past, une compilation en double album de singles, faces B, et d'outtakes, avec une face d'enregistrements concert. Mis à part ces derniers, ce disque est considéré par les fans de Tull comme étant leur meilleur. La chanson-titre est un de leur singles les plus endurants.

En 1973, le groupe tente d'enregistrer un double album, mais il est apparemment insatisfait de la qualité de l'enregistrement studio et abandonne le projet. À la place, ils enregistrent rapidement et sortent A Passion Play, un autre album-concept constitué d'une seule chanson avec des paroles très allégoriques. Après plusieurs années de popularité croissante, A Passion Play est largement décrié et marque un tournant pour le groupe. Ils avaient passé le pic de leur popularité. L'album War Child de 1974 reçoit toutefois des critiques positives, et le succès radio « Bungle in the Jungle » en est tiré.

En 1975 le groupe sort Minstrel in the Gallery, un album ressemblant à Aqualung dans ses morceaux doux à la guitare acoustique contrastant avec des ½uvres plus longues dominées par la guitare électrique de Barre. La plupart des critiques sont mitigées. Suite à cet album, le bassiste Hammond-Hammond quitte le groupe : il est remplacé par John Glascock.

En 1976, Too Old to Rock 'n' Roll, Too Young to Die ! sort. C'est encore un autre album concept, cette fois portant sur la vie d'un rocker vieillissant. Anderson, piqué par des chroniques très critiques (notamment sur A Passion Play), réplique en recyclant de nombreux morceaux de cet album, en les réorchestrant et en leur donnant de nouvelles paroles acerbes. La presse ignore le stratagème, et demande à la place si les paroles sont autobiographiques --- une accusation que Anderson nie vivement.

Rock Folk
Le groupe achève la décennie avec trois albums rock folk, Songs from the Wood, Heavy Horses et Stormwatch. Songs from the Wood est le premier album de Tull à recevoir des critiques unanimement positives depuis l'époque de Benefit et Living in the Past.

Le groupe avait depuis longtemps des liens avec les folk-rockers Steeleye Span. Bien que non considérés comme appartenant au mouvement rock folk (qui avait en fait commencé presque dix ans auparavant avec la venue de Fairport Convention), il y eut clairement beaucoup d'échanges d'idées musicales entre Tull et les folk-rockers. Durant cette période, David Palmer, qui avait auparavant fait des arrangements pour instruments à cordes pour des albums de Tull, rejoint officiellement le groupe, principalement aux claviers.

Le bassiste Glascock meurt en 1979 suite à une opération du c½ur, et Stormwatch est en fait achevé sans lui (Anderson joue de la basse sur plusieurs titres). Anderson décide d'enregistrer son premier album solo, et ce faisant met un terme à Jethro Tull.


Rock électronique
Pour quelque raison, cependant, Anderson sort son album solo en tant qu'album de Jethro Tull en 1980. Nommé A, il comprend Barre à la guitare électrique, Dave Pegg à la basse, et Mark Craney à la batterie. Mais l'album avait une forte teinte électronique, due au claviériste Eddie Jobson. Il a un son et une impression complètement différente de tout ce que Tull avait produit auparavant.

Jobson et Craney s'en vont suite à la tournée A et Tull débute une période de batteurs interchangeables (principalement Gerry Conway et Doane Perry). Peter-John Vettese remplace Jobson aux claviers, et le groupe revient à un son plus folk - bien qu'avec des synthétiseurs - pour l'album The Broadsword and the Beast sorti en 1982. 1981 est la première année de l'histoire du groupe où Tull ne sort pas d'album.

En 1984 Tull sort Under Wraps, un album fortement électronique. Bien que le groupe est, paraît-il, fier de son son, l'album est mal reçu, et de ce fait, ou bien du fait des problèmes vocaux de Anderson (ou des deux), Tull fait une pause de trois ans.

L'ère moderne
En 1987 Jetro Tull revient plus fort que quiconque ne s'y attend avec l'album Crest of a Knave. Sans Vettese (Anderson contribue aux clavier) et s'appuyant plus fortement sur la guitare électrique de Barre que ne l'avait jamais fait le groupe depuis le début des années 70, l'album est un succès critique et commercial, et remporte même le Grammy Award de 1988 pour le meilleur album de hard rock (battant un album de Metallica) Le style de Crest a été comparé à celui des Dire Straits, en partie parce que Anderson semblait ne plus avoir la portée vocale qu'il avait auparavant. Durant la tournée qui suit Don Airey assure la partie claviers du groupe.

1988 est aussi l'année de la sortie de 20 Years of Jethro Tull, un coffret de 5 vinyles (aussi sorti sous forme de triple CD et de simple CD) constitué en grande partie de morceaux abandonnés durant toute l'histoire du groupe, ainsi que des pistes live variées et des pistes remasterisées numériquement. Il contient aussi un livret retraçant l'histoire du groupe en détail.

Depuis, le groupe a sorti plusieurs albums dans un style dérivé de Crest, mais en incorporant aussi des influences plus folk. Il y a en particulier l'album de 1992 A Little Light Music, un album live principalement acoustique qui reçoit un accueil positif des fans grâce à d'interprétations différentes de nombreuses compositions passées.

Anderson a sorti plusieurs albums solo depuis le début des années 80, et dans les années 90 Barre commença aussi à sortir des albums solo. Anderson et Barre restent le c½ur du groupe (Pegg le quittant finalement à la fin des années 90). En 1996, divers artistes de rock progressif sortent un hommage à Tull, To Cry You a Song, qui inclut des contributions de plusieurs ex-membres de Tull, ainsi que d'artistes parmi lesquels Keith Emerson, Tempest, etWolfstone.

Le groupe persiste jusque dans le XXIe siècle et continue à sortir de nouveaux albums à quelques années d'intervalle. Au début des années 2000, la voix d'Anderson semble avoir regagné un peu de sa portée d'antan.

texte tiré de wikipedia ouii parce que j 'aime bien ecrie mais bon g mes limites !

enfin ce groupe marque et à marqué 40 ans de musique


Discographie

This Was (1968)
Stand Up (1969)
Benefit (1970)
Aqualung (1971)
Thick as a Brick (1972)
Living in the Past (1972)
A Passion Play (1973)
War Child (1974)
Minstrel in the Gallery (1975)
M.U. - The Best of Jethro Tull (1976)
Too Old to Rock And Roll, Too Young to Die (1976)
Songs from the Wood (1977)
Repeat - The Best of Jethro Tull Vol II (1977)
Heavy Horses (1978)
Live - Bursting Out (1978) (live)
Stormwatch (1979)
A (1980)
The Broadsword and the Beast (1982)
Under Wraps (1984)
Live at Hammersmith '84 (1990) (live)
Original Masters (1985) (collection)
A Classic Case (1985) (réarrangements à l'orchestre)
Crest of a Knave (1987)
20 Years of Jethro Tull (1988)
Rock Island (1989)
Catfish Rising (1991)
A Little Light Music (1992) (live)
25th Anniversary boxed set (1993)
The Best of Jethro Tull: The Anniversary Collection (1993)
Nightcap (1993)
Roots to Branches (1995)
J-Tull Dot Com (1999)
Living with the Past (2002) (live CD + DVD)
The Jethro Tull Christmas Album (2003)
Aqualung Live - Special Collectors Edition (2005) (live)


site officiel du groupe


Pour ecouter jetrho tull allersur ce lien et descendre j suqu au lecteur

# Posté le dimanche 25 juin 2006 13:25

Led Zeppelin

Led Zeppelin
Led Zeppelin est un des plus grand groupe de rock qui a foulé la planète et le premier grand groupe de hard rock il debute en 1968 pour terminer leur carriere tro courte apres la mort de John Bonham batteur myhtique du rock

En 1968, lorsque les Yardbirds se séparent, Jimmy Page est encore sous contrat et doit honorer des dates de concerts. Alors il recherche des musiciens pour former un nouveau groupe avec le manager des Yardbirds, Peter Grant. John Paul Jones apprend la nouvelle et contacte Jimmy Page avec qui il a déjà travaillé lors de différentes sessions studio. Jimmy Page, connaissant le professionnalisme de John Paul Jones, l'accepte tout de suite. Pour le chanteur, Jimmy Page pense tout d'abord à Terry Reid. Celui-ci décline l'offre mais l'oriente vers un jeune chanteur qui l'a impressionné, Robert Plant. Jimmy Page l'écoute en concert et est, à la fin du concert, enthousiasmé. Il ne manque plus que le batteur. Robert Plant connaît un batteur surdoué avec qui il a joué au sein d'un groupe de rock : John Bonham. Ce dernier refuse d'abord l'offre puisqu'il occupait un poste stable dans ce groupe. Mais sous la pression de Jimmy Page et de Peter Grant, il accepte finalement l'offre et le quatuor forme les New Yardbirds, qui partent alors en tournée en Scandinavie. Ces New Yardbirds ou futur Led Zeppelin empruntent leur look à celui des Who et le son au Jeff Beck's Group.

C'est le batteur Keith Moon du groupe The Who qui donna l'idée du nom Led Zeppelin avec sa phrase: « Ce groupe va couler comme un dirigeable de plomb. »

Leur manager, Peter Grant, obtient un contrat de cinq ans avec la maison de disque Atlantic Records. Ils enregistrent leur premier disque en une trentaine d'heures, Led Zeppelin (sorti le 12 janvier 1969). Cet album éponyme, fortement influencé par le blues, propose des riffs ravageurs et un chanteur puissant. Le groupe repart alors en tournée aux États-Unis en première partie de Vanilla Fudge, d'Alice Cooper et d'Iron Butterfly. Durant cette tournée, le public américain est conquis par les prestations extravagantes du groupe, notamment les solos démonstratifs de Jimmy Page, les interprétations personnelles et, parfois, interminables de leurs morceaux (par exemple, jusqu'à plus de trente minutes pour Dazed and Confused).

Ils enregistrent au cours de leur voyage un deuxième disque : Led Zeppelin II (sorti le 22 octobre 1969), dans la même veine que le précédent opus. Cet album donnera au groupe une notoriété qui fera de lui le plus gros vendeur du début des années 1970. La presse sera pourtant divisée, certains leur reprochant leur sexisme ou une certaine violence parfois injustifiée.

Leur album suivant, Led Zeppelin III (sorti le 5 octobre 1970), montrera que le groupe ne se résume pas à quelques accès de guitares rageuses et à la voix agressive de Robert Plant. La moitié du disque sera composée exclusivement de ballades folk. La réputation sulfureuse que Led Zeppelin se forge est due à de nombreux écarts : chambres d'hôtel dévastées, groupies et abus de drogues, entre autres.

Leur 4e album, Led Zeppelin IV, dont la pochette ne possède aucun nom (ni d'album ni du groupe), est sorti le 8 novembre 1971. Certains textes seraient inspirés du Seigneur des anneaux de Tolkien et son empreints d'occultisme. Ce sera leur album le plus vendu grâce au classique Stairway to Heaven. C'est un album équilibré où l'on sent que le groupe a atteint sa pleine maturité. Les compositions sont riches et variées, passant du folk au hard rock avec aisance.

Deux ans plus tard, le groupe sort Houses of the Holy le 28 mars 1973, premier disque ayant un titre. L'album est très varié, Led Zeppelin s'essayant au reggae ou au funk, et perdant ainsi un peu de sa spontanéité.

En cette même année, Robert Plant, dont la voix est usée par des tournées à répétition (450 concerts en quatre ans), subit une opération des cordes vocales qui le laissera aphone pendant plusieurs semaines.

En 1974, le groupe crée son propre label: Swansong, qui produira plusieurs groupes et financera une partie du premier film des Monty Python: Sacré Graal.

Le 24 février 1975, le groupe publie son sixième album studio (double), intitulé Physical Graffiti. Pour beaucoup, il s'agit du dernier grand album de Led Zeppelin.

Le 31 mars 1976, le groupe sort Presence, album connu pour la chanson Achilles Last Stand qui dure plus de 10 minutes. L'année suivante, Karac Plant, le fils de Robert Plant, meurt (27 juillet 1977). Cet évènement, ainsi que le mouvement punk en plein essor à cette époque, porte un coup dur au groupe, qui décide de prendre une pause.

Le 15 août 1979, In Through the Out Door sort dans une pochette emballée dans du papier kraft, fragile et de collection. Led Zeppelin doit beaucoup au travail de John Paul Jones. En effet, Jimmy Page vit plongé dans le chaos de la drogue et John Paul Jones en profite pour marquer l'album de son empreinte. L'album est donc teinté de sons issus de synthétiseurs. Il travaille notamment avec Robert Plant sur "All my love", morceau qu'il dédie à son fils Karac.

Le groupe se dissout en 1980, après la mort du batteur John Bonham (mort en suffocant dans ses vomissures pendant un coma éthylique). Le dernier concert avait eu lieu le 7 juillet 1980, à Berlin. Un dernier album posthume intitulé Coda sortira le 19 novembre 1982 (Coda est le terme inscrit à la fin d'une partition musicale signifiant que 'on rejoue une partie du morceau).

Robert Plant et Jimmy Page se réuniront à nouveau à deux reprises au milieu des années 1990. Une première fois pour l'album No Quarter (aussi appelé Jimmy Page and Robert Plant Unledded) qui reprend principalement des titres de Led Zeppelin et contient deux nouvelles chansons. Un album enregistré au Maroc et donc à forte consonance orientale, contenant notamment l'inoubliable Nobody's Fault but Mine matiné d'instruments traditionnels maghrébins. Ensuite, pour Walking into Clarksdale, un album somme toute un peu quelconque qui n'apportera pas vraiment de bonnes nouvelles concernant une possible reformation du groupe. Ce retour s'inscrivait dans un mouvement de fond où les ténors des années 1960 et 1970, tels les Rolling Stones et Pink Floyd, effectuaient, avec plus ou moins de succès, un retour sur le devant de la scène, profitant d'un effet de mode qui leur était favorable.

Depuis, Robert Plant, Jimmy Page et John Paul Jones continuent avec des hauts et des bas leurs carrières solo respectives. A noter aussi que Jason Bonham (fils du batteur John Bonham) avait été pressenti pour remplacer son père dans une reformation dans les années 1990. Il a notamment édité un excellent album live qui reprend les titres phares de Led Zeppelin. On remarque de suite la filiation entre Jason et son père au niveau du jeu (The Jason Bonham Band, album In the Name of my Father).

Philosophie live

Jimmy Page, a toujours eu une conception particulière des concerts qu'il a imposé au groupe.

Tout d'abord, contrairement aux autres concerts de l'époque Led Zeppelin n'avait pas de première partie. En effet leur prestation était trop longue (jusqu'à trois heures) pour avoir le temps d'intégrer une première partie.

Ensuite, Led Zeppelin ne s'est jamais contenté de jouer ses morceaux tels qu'on les entendait sur leurs albums studios. Jimmy Page, particulièrement, retravaillait chaque morceau qu'il devait jouer durant la tournée afin de rendre un contenu intéressant. Page modifiait non seulement ses solos, mais aussi le corps des morceaux. Les différences vont du détails à de profondes modifications. Par exemple, le morceau Dazed and Confused du premier album, dure 6 minutes dans la version studio contre 25 lors de la tournée de 1973 et jusqu'à 45 en 1975.

La version live du titreThe Song Remains the Same a été augmentée de cinq ou six jam session ajoutés au contenu original. Page a également modifié et prolongé son solo. Le batteur John Bonham faisait aussi parfois durer le solo de batterie de Moby Dick jusqu'à 40 minutes.

Ce travail peut être apprécié dans leur leurs albums live (voir Discographie) ainsi que dans les très nombreux bootlegs (ou enregistrements pirates) effectués par des fans.

texte de l'encyclopedie Wikipedia

Led Zeppelin a envouté le le publique grace à son originalité peché dans ses riff tiré de theme oriental qui on donner au groupe un coté exotique qui a revolutionner le monde du rock .Se groupe na malheureusement pas un de chance avec la mort de son batteur qui a propulser le groupe vers sa fin cela montre bien que se groupe est rester souder et que le depart d un de ses membres est devenu iremplassable

Discographie

1969 : Led Zeppelin
1969 : Led Zeppelin II
1970 : Led Zeppelin III
1971 : Four Symbols (parfois surnommé « Led Zeppelin IV »)
1973 : Houses of the Holy
1975 : Physical Graffiti
1976 : Presence
1976 : The Song Remains the Same (concert 1973 au Madison Square Garden, double album, bande originale du film)
1979 : In Through the Out Door
1982 : Coda
1990 : Remasters (compilation en deux ou quatre disques)
1990 : Profiled (1990, entrevues)
1992 : Remasters (compilation en trois disques dont un disque d'entretiens avec les musiciens)
1993 : Boxed Set (compilation en deux disques avec une chanson inédite)
1993 : Boxed Set 2
1993 : The Complete Studio Recordings (Intégrale en dix disques et des inédits)
1997 : BBC Sessions (compilation concert/studio)
1999 : Early Days (« Best of », volume un)
2000 : Latter Days (« Best of », volume deux)
2002 : Early Days & Latter Days (compilation)
2003 : How The West Was Won (ensemble de trois CD « live » comprenant plusieurs concerts)


Site officiel de Led Zeppelin


écouter et voir Led Zeppelin clique sur ici et faite votre choix dans les videos et pistes audios gratuites proposées

# Posté le samedi 08 juillet 2006 08:04

Modifié le samedi 08 juillet 2006 09:25

Brian Eno

Brian Eno
Brian Eno est un artiste élèctronique anglais maitre du clavier et de la musique électronique planant anciene moderne

Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno est né le 15 mai 1948 à Woolbridge, Grande-Bretagne.

Titulaire d'un diplôme de l'école des Beaux-Arts de Winchester, il s'intéresse à la peinture conceptuelle, à la sculpture sonore et aux travaux musicaux de John Cage, John Tilbury, et de Steve Reich, dont il s'inspire pour ses première expérimentations faites au magnétophone.

Il rejoint différents groupes (Merchant Taylor's Simultaneous Cabinet, Maxwell Demon, Cardew's Scratch Orchestra, Portsmouth Sinfonia) avant d'intégrer, en 1971, Roxy Music en tant qu'ingénieur du son et où il joue du synthétiseur EMS VCS3 avec lequel il re-traite tout ce que le groupe joue. Une incompatibilité d'humeur et d'intérêt avec Bryan Ferry, le chanteur/crooner du groupe, le pousse à quitter le groupe en 1973. Commence alors une carrière exemplaire, toujours poussée vers la recherche, l'expérimentation, l'ouverture à toutes les formes de musique et d'art.

Il travaille avec Robert Fripp (guitariste et fondateur du groupe King Crimson) sur « No Pussyfooting », puis enregistre son premier album solo, Here Comes The Warm Jets qui se classe dans le top 30 notamment grâce à Seven Deadly Finns. Après une année 1974 passé à se rétablir d'une grosse opération chirurgicale, il part à San Francisco où il enregistre Taking tiger Mountain By Strategy, publié en 1975. Il est crédité aux enossifications (c'est-à-dire traitement du son) sur The lamb lies down on Broadway de Genesis en 1975.

Avec Discreet music et Music for film, Eno invente une nouvelle forme musicale : l'ambient, une musique très réfléchie, proposant des atmosphères très minimalistes, parfois sombres, parfois froides. Robert Wyatt (ex Soft Machine) intervient, entre autres, sur ces enregistrements. Après un bref retour à la pop (Before And After Science) et un travail avec le groupe allemand Cluster, Eno entame une carrière de producteur renommé et respecté.

En 1977, il publie une compilation de divers groupes expérimentaux du Lower East Side. Baptisée "No New York", cette compilation est considérée comme l'acte fondateur du courant musical no wave.

De 1977 à 1979, il collabore avec David Bowie sur les trois disques Low, "Heroes" et Lodger (souvent appelés "la trilogie berlinoise").

En 1980, en collaboration avec David Byrne, il publie un concept album, My life in the bush of ghost, sur lequel il mélange musique pop, musique ethnique et collages (la technique du sampling est alors naissante).

En 1984, il pousse encore plus loin son expérimentation ambient et publie Thursday Afternoon un morceau de plus d'une heure, bénéficiant d'un tout nouveau support : le CD.

Il continue son travail de producteur .

En 1992, il publie Nerve Net avec lequel il montre qu'il est en phase avec les sonorités hip hop de son époque.

texte tiré de wikipedia

cet artiste est un des plus important de la musique electronique et un il a une des discografie en contant ses participation au mixage et par la pratique de ses instument qui est un de plus concante du 20 eme sciecle

Discographie
1972 Roxy Music (de Roxy Music)
1973 For Your Pleasure (de Roxy Music)
1973 No Pussyfooting (avec Robert Fripp)
1973 Portsmouth Sinfonia Plays the Popular Classics (avec le Portsmouth Sinfonia)
1973 Here Come The Warm Jets
1974 Taking Tiger Mountain (By Strategy)
1975 Evening Star (avec Robert Fripp)
1975 Another Green World
1975 Discreet Music
1977 Cluster & Eno (avec Cluster)
1977 Before and After Science
1978 Ambient #1 / Music for Airports
1978 Music for Films
1978 After the Heat (avec Roedelius et Dieter Moebius alias Cluster)
1980 Ambient #2 / The Plateaux of Mirror (avec Harold Budd)
1980 Fourth World, Vol. 1: Possible Musics (avec Jon Hassell)
1980 Ambient #3 / Day of Radiance (de Laraaji avec Eno producteur)
1981 Empty Landscapes
1981 My Life In The Bush of Ghosts (avec David Byrne)
1982 Ambient #4 / On Land
1983 Apollo: Atmospheres and Soundtracks
1983 Music for Films, Vol. 2
1984 Begegnungen
1984 The Pearl (avec Harold Budd)
1985 Thursday Afternoon (soundtrack to an art gallery video)
1985 Begegnungen II
1985 Hybrid (avec Daniel Lanois et Michael Brook)
1989 Textures
1990 The Shutov Assembly
1990 Wrong Way Up (avec John Cale)
1991 My Squelchy Life
1992 Nerve Net
1993 Neroli
1994 Familiar
1994 Headcandy
1995 Spinner (avec Jah Wobble)
1997 The Drop
1997 Future Signs, des Warm Jets
1999 Sonora Portraits
2001 Drawn From Life (avec Peter Schwalm)
2002 Lightness
2002 I Dormienti
2002 Kite Stories
2003 Music for Civic Recovery Centre
2003 Compact Forest Proposal
2003 January 07003 | Bell Studies for The Clock of The Long Now
2004 Curiosities Volume 1
2004 18 Keyboard Studies
2004 The Equatorial Stars (avec Robert Fripp)
2005 Curiosities Volume 2
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# Posté le lundi 10 juillet 2006 13:42

Modifié le mardi 11 juillet 2006 05:34

Ravi Shankar

Ravi Shankar
Ravi Shankar est un sitariste et compositeur indien né le 7 avril 1920 à Vârânasî (Benares)(Inde).

Le Dr Shyama Shankar, fils de Barapa Shankar, riche propriétaire terrien, hérita des terres de son père, dans l'est du Bengale. Il avait suivi des études brillantes d'avocat, et se retrouva ministre (diwan) du Maharajah de Jhalawar. Sa femme, Hemangini, lui donna un cinquième et dernier fils le 7 avril 1920, qu'ils appelèrent Robendra, surnommé d'abord Robu, puis plus tard Ravi.

Robu Shankar est donc né dans la ville de Vârânasî, également connue sous le nom de Bénarès, un haut lieu de pèlerinage pour les hindous. Shyama, son père, faisait partie de la caste sacerdotale des Brahmanes, la plus haute dans la hiérarchie indienne, mais n'exerçait aucune fonction religieuse. Il partit très tôt exercer à Londres en tant qu'avocat, puis à Genève, à la Société des Nations. Puis il alla enseigner à l'Université de Columbia à New York.

Il est mort lorsque Robu avait 15 ans. Mais Uday, le frère aîné, dirigeait alors une troupe d'artistes, et engagea le petit Robu comme danseur. Lui voulait être acteur, mais après tout, c'était un bon début de carrière que de danser dans une troupe qui l'emmena de Bénarès à Bombay, puis à Venise, Paris et Londres. La famille s'installa même quelques temps à Paris.

Uday voulut alors pour sa troupe un des meilleurs musiciens indiens et fit venir l'illustre Pandit Ustad Allaudin Khan. Robu fut très impressionné par son talent, lui qui s'essayait déjà depuis quelques années à la vina, à l'esraj et au sitar, en plus de la danse et du chant.

A la mort de son mari, Hemangini Shankar confia son Robu au gourou, qui le prit sous son aile comme un fils. Mais seulement après que ce dernier eut décidé de tout quitter pour son enseignement. C'est lorsque son frère décida d'arrêter la troupe et de rentrer en Inde que Robu prit la grande décision. Il se rasa la tête, enfila des vêtements très simples, rejoignit Ustad Allaudin Khan Baba, et resta 7 années auprés de lui dans la tradition du Guru Kul, c'est à dire une initiation dans des conditions parfois très dures ; surtout pour un petit dandy habitué aux hôtels de luxe. Il apprit le sitar, le surbahar, le style et la technique de Been, du Rabab et du Sursringar. Il était trés doué, et après ses études il se fit vite remarquer par de grandes personnalités musicales indiennes.

Ce n'est qu'en 1956 (à l(âge de 36 ans) qu'il se produisit en Amérique pour la première fois, et qu'il commença sous le nom de Ravi Shankar sa "mission" de popularisation de la musique classique indienne auprès de l'Occident.

Le son particulier du sitar, avec tous ses effets de résonnance sympathique, attira trés vite les musiciens de Rock des années 60, en pleine recherche d'originalité, d'effets exotiques mystèrieux, bref psychédéliques. En 1966, George Harrison des Beatles devint son élève et joua du sitar sur Norvegian Wood, puis d'autres titres par la suite. Brian Jones des Rolling Stones utilisa également le sitar sur Paint it Black. Colin Walcott (qui fondera plus tard le groupe Oregon) fut le premier musicien occidental à intégrer le sitar et les tablas dans la plus grande parie de ses compositions, et ce fut aprés avoir été roadie sur une tournée de Ravi Shankar. Une mode était lancée, mais ce biais était suffisant.

En 1967, Ravi Shankar fonde son école Kinnara à Los Angeles. La même année, il joue au Monterey Pop Festival, en 1969 à Woodstock, et en 1971 au concert pour le Bangladesh (organisé par Harrison).

Durant cette période, les rencontres se multiplient et donnent lieu à des collaborations inattendues, comme avec le violoniste classique Yehudi Menuhin (un album: East meets West), ou avec Coltrane. Pendant les années 1970 et 1980, son emploi du temps est partagé entre l'enseignement, la scène et les enregistrements.

Il a donné des concerts mémorables dans toutes les grandes villes du monde, et a composé des musiques de films, dont celle de Gandhi de Richard Attenborough, en 1982.

A noter quelques albums durant cette période : Concert for sitar avec André Previn, en 1971, Shankar Family en 1974, ou sa collaboration avec des musiciens japonais (East greets East), ou ses duos avec Ali Akbar Khan au sarod, le fils de son gourou (à écouter par exemple le Raga Mishra Piloo, réédité récemment, avec aux tablas le père et le fils : Alla Rakha et Zakir Hussain).

En 1987, il signe chez Private Music, le label de Peter Baumann (du groupe Tangerine Dream), et enregistre Tana Mana, avec pour la première fois des synthétiseurs, et de nombreux invités de tous horizons, dont à nouveau George Harrison. Un album suit très vite au cours de sa tournée en U.R.S.S. : Inside the Kremlin. Puis Passages, en collaboration avec Philip Glass.

En 1989, Ravi Shankar monta le projet scénique "Ghanashayam - a broken branch", qui mêlait musique, théâtre et danse des traditions orientales et occidentales. Un spectacle présenté en Angleterre par le City of Birmingham Touring Opera.

Au cours de sa longue carrière, ses principaux accompagnateurs aux tablas ont été : Chatur Lal, Alla Rakha, et Kumar Bose.

Dans les années 80, son fils, Shubbo Shankar, l'a souvent accompagné.

Il revint dans l'actualité en 1997 en sortant l'album Chants of India (produit par Harrison), constitué uniquement de chants religieux, pour la plupart v�diques, ou des compositions restant complètement dans cet esprit.

Tout ce qui est sorti depuis de lui est une série de rééditions ou de compilations, hormis la mise en avant de sa fille et élève : Anoushka Shankar, qui a sorti plusieurs albums. Elle l'accompagne désormais toujours en tournée. Son autre fille, Norah Jones, a préféré le jazz et la pop et est devenue une star dans ce domaine. Son autre fils, Ananda Shankar, explore le métissage de la pop electro avec la musique indienne ; il joue également du sitar.

Peu à peu détrôné par la jeune génération de virtuoses (comme les percussionistes compositeurs Zakir Hussain et Trilok Gurtu, par exemple), il demeure le musicien indien le plus renommé au monde, et le premier ambassadeur de la musique classique indienne.

Il est Commandeur des Arts et des Lettres et détenteur de la Bharat Ratna.

(texte tiré de wikipedia)

Ravi shankar reste incontestablemnt le musicien le plus representatif du metissage entre l'inde et l occident ce musicien parfoi mal compris par ces compatriote decrit parfoit comme un desenbassadeur de la culture indienne a une epoque est devenu un des musicien les plus connu de l inde ce maitre du sitar dont ces deux fille une certaine nora jones et Anoushka Shankar grnade sitariste comme son pere est le symbole de la réussite de son metissage entre les cultures occidental et la musique indienne


site Officiel de Ravi Shankar


site Officiel de Anoushka Shankar

# Posté le lundi 10 juillet 2006 16:02

Modifié le mardi 11 juillet 2006 05:50